Eröffnungsrede von Dr. Renate Miller-Gruber, Kunsthistorikerin

bei der Vernissage der Ausstellung "Carpe Diem" in der Ateliergalerie Facette Augsburg

Helene Mitter: Carpe Diem                                                      Ateliergalerie Facette                                                                                                                 1. Juni 2019

Liebe Kunstfreunde, liebe Helene,

Helene Mitters Bilder fallen in jeder Ausstellung sofort auf, sei es in den Gemeinschaftsausstellungen des BBK, dem sie seit 1983 angehört, sei es in der ECKE Galerie, z.B. im kleinen Format,  oder in der Friedberger Kunstausstellung. Sie stechen hervor durch ihre leuchtenden Farben, durch ihre figürlichen Themen und durch die expressive Handschrift der Künstlerin. In ihrer Art sind sie unverwechselbar, einzigartig. Hier in diesem schönen Ambiente und in dieser Konzentration können sie voll ihre Wirkung entfalten. Sie bekommen Licht von allen Seiten und verwandeln die Galerie in einen energetisch aufgeladenen Raum.

Viele der Anwesenden verfolgen die Arbeit von Helene Mitter vermutlich seit Jahren. 1942 in Siebenbürgen geboren, kam sie 1982 mit ihrem Mann Cornelius und Sohn Peter nach Augsburg. In Temeschburg hatte sie Kunstpädagogik studiert und dann, heute würde man sagen, als Art Director in einer großen Firma gearbeitet. Seit den 90er Jahren kann man ihre Arbeiten immer wieder auf Einzelausstellungen in der Region sehen, ich erwähne nur die Ausstellung „Land und Leute“ in der Augsburger Aktienbank 2004 oder die Präsentation ihrer Musik- und Tangobilder im Parktheater im Kurhaus Göggingen 2013. Blick auf website!

Als Titel für diese aktuelle Werkschau, in der sie Gemälde der vergangenen zwei Jahre vorstellt, wählte sie die aus einer Ode von Horaz genommenen Zeile „Carpe diem“. Darin fordert dieser seine Leser auf, die knappe Lebenszeit zu genießen und zwar am heutigen Tag. Denn wir wissen nicht, was morgen geschieht und ob wir das Morgen erleben. Genieße oder nutze also den Tag, das Leben im Hier und Jetzt, so das Motto, das uns auch durch die Bilderwelt von Helene Mitter leiten wird.

Zwei Themenkomplexe sind dabei zu unterscheiden. Der erste widmet sich der Visulisierung von „Wellness“. Wir alle kennen diesen Begriff, der sich in den letzten 20 Jahren für verschiedene Arten des Freizeitsports und der Selbstverwöhnung eingebürgert hat. War man früher zufrieden mit einem Besuch im Hallenbad, so muss es heute schon eine Wohlfühloase mit „Sauna & Massage“ oder ein „Aroma Bad“ sein; eine klassische Gymnastikstunde wird häufig durch Yoga ersetzt. Menschen, die viel arbeiten, nutzen ihre Freizeit oft bewusst für Entspannung, wollen etwas Gutes für Körper und Seele tun, um wieder fit zu sein für die Arbeitswelt. In dem Bild „Nützt die Zeit“ sitzt eine junge Frau im Büro auf dem Boden, mit gekreuzten Beinen in aufrechter Haltung, und tankt in einer Yoga Meditation einige Momente der Ruhe und Versenkung, bevor es weitergeht. Eine andere verbringt ihre freie Zeit im Badebereich mit einem blumigen „Beauty Fußbad“. Meist wird die Entspannung jedoch in Geselligkeit gepflegt: ältere Männer und Frauen treffen sich in der Sauna, im Schwimmbad bei der Wassergymnastik oder in einer kleinen Wanne. Es ist ein gemeinsames Tun, aber auch ein Miteinander in enger Vertrautheit. Man sitzt unter einem Badetuch bzw. im gleichen Wasser, es werden Blicke getauscht, gelegentlich auch geflirtet, es herrscht eine gelöste Stimmung, man sieht fröhliche Mienen, ein Lächeln im Gesicht, geschlossene Augen.

Mitter zeigt ihre Mitmenschen zwar nackt, aber nicht würdelos. Ihr Blick gilt dabei eher der älteren Generation, den Rentnern, deren Körper von den Jahren geformt wurden. Sie beobachtet diese mit großer Selbstverständlichkeit, überzeichnet sie humorvoll mit kantigen Köpfen und großen Augen, leicht karikierend, aber wohlwollend mit viel Mitgefühl und Sympathie. Gleiches gilt auch für die „Wellness-Family“ und „Siesta“, zwei Szenen am Strand, harmlose Vergnügen unter Sonnenschirmen im Familienkreis, mit Freunden, mit Kind und Lesestoff.

Wenn für die Einen Sonne, Wasser und Massage absolute Entspannung bringt, erleben die Anderen intensivste Emotionen mit Musik und Tanz. Dies zeigt uns Helene Mitter in einer zweiten Themengruppe. In ihr sehen wir Musiker vertieft in ihr Spiel, hingebungsvoll und konzentriert, dabei eng verbunden mit ihren Instrumenten. Meist ist es ein Zusammenspiel von zwei oder drei Partnern. Streicher und Bläser sind in Bewegung, harmonieren miteinander im gemeinsamen Auftritt. Ist ein Klavier dabei, so bildet dieses mit seiner Tastatur ein schwarz-weißes Muster am Rand. Wir hören die Töne nicht, aber durch die Besetzung und die Titel wird klar, was hier aufgeführt wird: Klassik, Straßenmusik - und vor allem Tango in allen Variationen.

Schließlich gesellen sich die Tänzer dazu. Eine große Serie von tanzenden Paaren ist vereint im „Tango argentino“, der, anders als der oft stilisierte Turniertanz, ganz auf einer tiefen, vertrauensvollen Hingabe basiert. Frauen und Männer sind elegant gekleidet, sie bewegen sich nach bestimmten Regeln, zuweilen innig aneinander geschmiegt, leidenschaftlich, manchmal etwas bizarr. „Tango kennt kein Alter“ heißt ein Bildtitel und tatsächlich beobachtet Helene Mitter auch hier häufig nicht mehr ganz junge Menschen beim Tanz, erfasst ihre spielerische Freude dabei, vermittelt Nähe und Anziehung. Auch in den Tanzpausen gibt es Begegnungen und entstehen Kontakte: „First Date“ zeigt die scheue Annäherung eines junges Paares am Tisch, „Darf ich bitten“ eine direkte Aufforderung und die „Ehemaligen Tango Tänzer“ sitzen glücklich beieinander.

Wie Sie sehen, geben allein die narrativen Elemente in diesen Bildern genügend Stoff zum Verweilen und reichlich Gelegenheit, sich in Geschichten zu verlieren. Aber schauen wir uns nun die künstlerische Gestaltung an, die Farben und Kompositionen, und versuchen, der besonderen Anziehungskraft dieser Gemälde auf die Spur zu kommen. Als Bildträger bevorzugt Helene Mitter quadratische Formate, nur wenige Strand- oder Gruppenbilder entwickelt sie im gemäßigten Querformat. Alle hier ausgestellten Arbeiten sind mit Acrylfarben auf Leinwand gemalt. Mitter verwendet mit Vorliebe kräftige Farben, setzt rote, blaue und gelbe Flächen kontrastreich nebeneinander, mischt Zwischentöne und übermalt zuweilen mehrfach. Weiße Elemente erhöhen die Leuchtkraft, schwarze setzten markante Akzente. Der Farbauftrag ist deckend und großzügig im Gestus; die Zeichnung, mit der sie Konturen nachzieht, Hände und Augen hervorhebt, ist locker und akzentuierend. Nahezu alle Kompositionen sind zentral aufgebaut. Die Figuren agieren in der Bildmitte meist in Zweier- oder Dreiergruppen, eingerahmt von Möbeln und Wannen, oder die Form der Instrumente aufnehmend. Hinter ihnen erstreckt sich ein „offener“ Raum, der nur durch wenige Attribute beschrieben ist. Manchmal werden Boden und Wände angedeutet, in den Strandszenen lassen sich Sand, Wasser und Himmel unterscheiden. Dann wieder scheint der gesamte Farbraum auf der Bildfläche zu schweben, denn häufig bleibt die weiß grundierte Leinwand an den Rändern sichtbar wie ein Rahmen im Bild. Die in der Mitte konzentrierte Energie wird so von einer gewissen Leichtigkeit umgeben.

Verfolgt man auf die künstlerischen Traditionen, aus der sich die Malweise ableiten lässt, so scheint in der Farbintensität und der akzentuierten Zeichnung der Deutsche Expressionismus Pate zu stehen. Man ist versucht, auch andere Inspirationsquellen oder künstlerische Verwandtschaften zu prüfen, etwa Stilelemente der Karikatur, der Volkskunst oder der naiven Malerei, die sich schon die Meister der Avantgarde zunutze gemacht haben, auch das Aufgreifen von Alltagsthemen und deren pointierter Darstellung. Aber all diese Klassifizierungen werden den Bildschöpfungen von Helene Mitter nicht gerecht.

Zum Schluss möchte ich nach der Aktualität von Helene Mitters Bildern in der heutigen Zeit fragen. Es mag der Eindruck entstehen, sie entführe uns hier in eine stark idealisierte, heile Welt. Es sind in der Tat Gegenwelten zum Alltag, die sie entwirft, sogenannte „kleine Fluchten“. Zugleich würzt sie diese Idyllen mit spitzen Beobachtungen, setzt sich mit zeitgenössischen Tendenzen intensiv auseinander und thematisiert neben heutigen Kommunikationsformen auch das Ringen der Menschen mit Alter und Tod. Ihrer Protagonisten sind keine klassischen Schönheiten, sondern Leute mit kleinen Fehlern und Schwächen, häufig vom Leben gezeichnet, aber dennoch heiter. Hinter all den Gesichtern und Figuren verbergen sich Schicksale, vielleicht tragische Ereignisse, in jedem Fall ereignisreiche Leben. Der Rückzug des Individuums ins private Wohlergehen bedeutet deshalb auch Kraft tanken, um den Widrigkeiten des Lebens, um dem täglichen Stress, um Krankheit und Alter würdevoll zu begegnen. Mitter umspielt diese Geschichten mit vielen positiven Signalen, mit lebendige Farbigkeit, mit dynamischen Linien und mit einer leidenschaftlichen und humorvollen Sicht. Zuweilen wirken ihre Bilder heftig und beschwörend, wie ein Apell, sich nicht unterkriegen zu lassen von den vielen Problemen ringsum, auf die Liebe zwischen den Menschen zu vertrauen, das Leben allgemein und heute besonders das freudige Ereignis dieser Ausstellung zu genießen. In diesem Sinne, meine Damen und Herren: Carpe diem!

Dr. Renate Miller-Gruber

Eröffnungsrede zur Ausstellung "Alles, was Recht ist"

verfolgte und als zeitgenössische Satire in zahlreichen Lithographien von hohem künstlerischem Niveau ins Bild brachte, war Honoré Daumier, Sie alle kennen seine Blätter. Weitaus häufiger konzentrierten sich Künstler seit jeher auf die allegorische Darstellung der Gerechtigkeit, der Justitia, die in der Malerei ebenso wie in der Bildhauerei als Jungfrau mit Schale und Szepter, später mit Waage (abwägend) und Schwert (strafend) gezeigt wird. Meist sind ihr die Augen verbunden, bei Daumier gedacht als Spott auf eine mit Blindheit geschlagene Justiz. Erst später wurden die verbundenen Augen zum Symbol für die Unparteilichkeit der Rechtsprechung, für eine Rechtsprechung - "ohne Ansehen der Person".

Mitter zeigt diese Göttin der Gerechtigkeit traditionell mit Augenbinde, mit Waage und Schwert, aber in Gestalt einer modernen schlanken Frau in rotem Trägerkleid und kurzen Haaren, in einer leicht frivolen Haltung, wie man unterstellen könnte. Der Körper ist elegant geschwungen, die nackten Arme mit den Attributen diagonal ausgestreckt.

Suchte man nach einem Vorbild für diese Gestalt, so würde man vielleicht in der Justitiafigur des Gerechtigkeitsbrunnens in Frankfurt fündig, einer Standfigur aus dem frühen 17. Jahrhundert (1611 in Sandstein, erneuert als Bronze 1887). Mitters Figur befindet sich zwar nicht wie dort auf einer Brunnensäule inmitten der Stadt, doch auch sie wird genau beobachtet von den Augen der Öffentlichkeit: Neugierig, interessiert oder betroffen verfolgt eine anonyme Menge im blauen Hintergrund den Auftritt dieser Justitia.

Zum Schluss noch ein paar Worte des Strafrechtlers Peter Noll (1969), die vielleicht Kunst und juristischen Alltag in Verbindung bringen können:

"..Der Jurist darf weder im Himmel der Rechtsideale hängen noch am Boden der Faktizität kleben bleiben, sondern muss den Weg von oben nach unten und von unten nach oben dauernd zurücklegen, um zu überprüfen, ob die Ideale realitätsgerecht und ob die Realitäten idealitätsgerecht sind."

Meine sehr geehrten Damen und Herren, wir sind hier heute nicht bei einer Gerichtsverhandlung, Gott sei Dank, sondern bei einer Ausstellungseröffnung Genießen Sie die entspannte Atmosphäre mit Bildern und Bildgeschichten von Helene Mitter.

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Eröffnungsrede zur Ausstellung "Land und Leute"

Helene Mitter - „Land und Leute"                     Dr. Renate Miller-Gruber

 24.11.2004                                                        Kunsthistorikerin         

Meine sehr geehrten Damen und Herren, liebe Helene Mitter,

„Meine Gestalten sind weder auf irgendeinen ästhetischen Kanon festgelegt, noch sind sie Karikaturen; sie entgleiten jeder Formulierung, ich aber weiß um den Schaffenszwang, der hier unerbittlich am Werk ist. Ich sehe die Welt nicht etwa „so", sondern in seltsamen, wie halb wachen Augenblicken erspähe ich erstaunt diese Verwandlungen, die oft kaum spürbar sind, so dass sie im

Stadium des ersten Gewahrens selten klar geschaut werden, sondern erst allmählich tastend erwittert werden müssen." Dieses Bekenntnis stammt von Alfred Kubin aus dem Jahr 1933, es könnten aber auch Worte sein von Helene

Mitter, jener Künstlerin, die ich heute mit ihren Arbeiten zum Thema „Land und Leute" vorstellen möchte. Bleiben wir zuerst bei den Leuten: Helene Mitter hat für den Sitzungssaal der Augsburger Aktienbank eine Serie von 14 Bildnissen gemalt, die nun in einem Fries nebeneinander angeordnet sind. Die Bilder gleicher Größe zeigen höchst unterschiedliche Figuren, Männer und Frauen gemischt, in kräftigen Farben und ausdrucksstarkem Duktus festgehalten. Man mag zuerst an eine Reihe von Porträts denken, aber nur in wenigen Fällen dienten, wie die Malerin im Gespräch erläutert, reale Personen als Vorbild.

Mitter zeigt keine bestimmten Menschen, und dennoch bleiben diese erfundenen Personen nicht anonym: „Meine Leute haben einen Namen", erklärt Mitter. Es ist die Vertraulichkeit des Vornamens, die erkennen lässt, dass die Schöpferin ihre Figuren mit einem gewissen Wohlwollen und einer Liebenswürdigkeit betrachtet. Mitters Zusammenstellung zeigt Menschen, die Kunden der Bank sein könnten: Zweifellos Individualisten, keine Schönheiten, Menschen des Alltags, an denen das eine oder andere Merkmal überzeichnet, formal und farblich hervorgehoben scheint. In den expressiven Gesichtern treten

Charakterzüge deutlich hervor, und so kann man die Figuren als allgemeine typisierte Darstellungen verstehen: als „Der Hagere", „Der Skeptiker", „Der Nachdenkliche", „Der Erschrockene".

Helene Mitter ist eine genaue und interessierte Beobachterin ihrer Umwelt. Ist sie unterwegs, saugt sie Eindrücke von Menschen und Landschaften auf, fasziniert von deren Vitalität und Farbigkeit. In diesem Licht ist auch ihre

Darstellung der „Straßenmusikanten" zu sehen, jener drei bunten und lebendigen Figuren, die in ihre Musik vertieft den Mund zum Gesang geöffnet haben. Oder die drei Sängerinnen „A Capella", die eher traditionell gekleidet in weißen Blusen und gestreiften Röcken vor rotem Hintergrund stehen. Und schließlich die kleine Gruppe der „Ratschkatteln", die im Gespräch vertraulich einander zugewandt sind.

Der Ausdruck von zwischenmenschlichen Gefühlen gelingt Mitter auch in den verschiedenen Familienbildern. „Geborgenheit" ist jene Arbeit betitelt, in der sich ein kleines Kind an seine sitzende Großmutter schmiegt. Die Verbundenheit zeigt sich nicht nur in dem freundlichen Blick nach außen und der innigen Umarmung, sondern auch in der silhouettenhaften Zeichnung, die beide Figuren in ihrer Helligkeit vereint und der einen gelben Farbwolke, die sie beide durchdringt.

„Treue" dagegen schweißt ein älteres Paar zusammen: eng gedrängt sitzen sie nebeneinander, formal zu einem Block vereint. Als Quintessenz kann schließlich das „Familienbild" betrachtet werden, das die Mutter mit zwei Kindern in der Mitte, Vater und Schwiegermutter rahmend zu beiden Seiten vorstellt; farblich ist die stolze Figurengruppe eingebunden in einen roten

Hintergrund. In der Tradition des Familienfotos verkörpert sie ein Wunschbild, in dem die Idee von Zugehörigkeit und Beständigkeit, von Heimat und Tradition ihren Ausdruck findet. Schaut man sich dieses Gruppenbild an, werden die einzelnen Persönlichkeiten durchaus individuell charakterisiert, Eigenheiten sind markant überzogen und ein internes Beziehungsgeflecht von Dominanz und

Unterordnung wird erkennbar. In der künstlerischen Umsetzung Rillt eine fast kindliche Direktheit und Vereinfachung in der Zeichnung auf, dazu der expressive Einsatz der Farben und eine Leichtigkeit in der Aquarelltechnik. Der positive Gesamtentwurf offenbart zudem Mitgefühl und Sinn flir Komik, begleitet von einem Appell zur Wertschätzung und Achtung der Familie. Kaum zu spüren dagegen ist auch ein leiser tragischer Unterton.

Helene Mitter liebt Familienbilder, - im weiteren Sinn gehört auch die „Pastorale" dazu - es ist aber nicht die eigene Familie, die sie hier zeigt. Sie selbst wurde 1942 in Siebenbürgen geboren. Nach einem Studium für

Kunsterziehung war sie über zehn Jahre als Industriedesignerin tätig, seit 1980 als freischaffende Künstlerin. 1982 kam Helene Mitter mit ihrem Mann

Cornelius und dem Sohn Peter nach Augsburg, wo sie ihre Wahlheimat fand.

Seit vielen Jahren ist sie mit ihren Bildern auf Ausstellungen vertreten, auf den

Großen Schwäbischen Kunstausstellungen im Augsburger Zeughaus, auf den

Großen Nordschwäbischen Kunstausstellungen in Donauwörth, auf den Ausstellungen des Berufsverbandes Bildender Künstler, dem sie seit 1983 angehört. 1997 präsentierte sie ihre Werke in der Treppenhausgalerie von Kröll und Nill, 1999 im Fritz-Felsenstein-Haus in Königsbrunn und 2002 in den Räumen des Diakonissenkrankenhauses.

Mitter, die sich dem allgemeinen Rummel des Kulturbetriebs eher fernhält, hat ihr Atelier zu Hause in der Wohnung und dementsprechend sind ihre Bilder auch von kleinerem Format. Sie arbeitet viel in Aquarelltechnik: Als Bildträger verwendet sie dickes, handgeschöpftes Nepalpapier, das eine raue Oberfläche und unregelmäßige Ränder besitzt. Über eine erste Farbschicht wird zunächst weiß grundiert, danach mit Kohle oder Bleistift skizziert, was sich häufig aus dem Grund spielerisch und assoziativ entwickelt. Ist die Struktur gelegt und die Komposition umrissen, werden die Fläche mit Farbe gefüllt, übermalt, konturiert. So wachsen die Objekte und Figuren gleichsam aus der Fläche heraus und das Bild verdichtet sich zunehmend im Laufe des Arbeitsprozesses. Mal wird mit Kreide überzeichnet oder mit deckenden Acrylfarben, mal bleibt der weiße Grund unbedeckt.

Ganz ähnlich ist auch die Vorgehensweise bei der Arbeit auf Leinwand. Diese wird grundiert mit einer groben Spachtelmasse, so dass die Struktur sichtbar und fühlbar bleibt. Acrylfarben werden aufgetragen, oft in mehreren Schichten, Konturen gesetzt, Flächen betont, Linien eingeritzt. Dabei scheut die Künstlerin nicht vor kräftigen Farben und Effekten zurück. Gerne verwendet sie leuchtendes Rot und kräftiges Grün, kombiniert Blau mit Grün, setzt Lila neben Hellblau, kontrastiert schwarze Balken und weiße Flächen und lässt immer wieder ein starkes Königsblau leuchten.

Wenden wir uns damit den Landschaften zu, jener Werkgruppe, die hier in vielfältiger Weise vertreten ist. Wie schon erwähnt: Mitter ist eine sensible Beobachterin: Sie geht mit offenen Augen durch die Welt, sammelt und speichert Eindrücke. Sie malt aber nicht vor Ort, en pleinair, sondern holt ihre Bilder zu Hause aus der Erinnerung hervor. So sind auch die Landschaften keine Ansichten oder Porträts, sondern Nachempfindungen, in denen sie typische

Elemente der schwäbischen Umgebung einbringt und zusammenwachsen lässt.

Geradezu zum Symbol wird der Zwiebelturm, um den herum sie den ländlichen

Alltag gruppiert: Kleine Häuser mit ihren spitzen Giebeln und Dächern, flächige Äcker und Felder, runde Hügellinien und Kugelbäume, ein leuchtender Himmel in intensivem Licht. Es entstehen dichte Bilder, in denen je nach der farblichen Dominanz die wechselnden Stimmungen und Rhythmen auf dem Land zum Ausdruck kommen, auch ein zeitliches Moment im Wechsel der Tages- und Jahreszeiten: „Regenzeit", „Arbeitstag", „Dämmerung", „Ruhezeit",

„Altweibersommer", „Vor dem Sturm" oder „Rapszeit" sind einige der Titel, die sie ihren Arbeiten gegeben hat. Formal und kompositorisch sind sie reich an Variationen: der Einsatz von geometrischen Grundformen wie Dreiecke, Vierecke und Kreisen ist locker und zugleich spannungsreich, manchmal fast abstrakt, die Beziehung von offener Flächengestaltung und der dynamischen Überarbeitung durch Linien wirkt kraftvoll und spontan, der Umgang mit den Farben oft leicht und spielerisch. Gerade in der Verwendung von reinen, leuchtenden Farben nebeneinander, kombiniert mit Weiß und Schwarz, zeigt sich ihre Freude an folkloristischer Direktheit ebenso wie auch die Tendenz zu Expressivität und den Drang nach künstlerischer Freiheit. So mag es nicht verwundern, dass ihre malerischen Traditionen im Expressionismus zu finden sind, wo Künstler wie James Ensor, Gabriele Münter, Alexej Jawlensky, Karl Schmitt-Rottluff oder Egon Schiele in Landschaften und Figurenbildern ihrem Innersten in dramatischer formaler Steigerung Ausdruck verliehen.

Ob Land oder Leute, Helene Mitters Arbeiten befassen sich mit universellen

Themen. Weder die eigene Person noch das reale Abbild von Figuren und

Landschaften scheinen ihr wichtig und darstellungswürdig. Indem sie die Realität filtert und neu schafft, die Welt mit Liebe und Humor betrachtet, indem sie, wie sie es nennt, „verrückte Bilder" malt, kreiert sie Typen, die durch das Phantastische sprechen, verleiht sie Ideen und Idealen Ausdruck. So wenig erzählerisch und persönlich ihre Werke erscheinen sollen, sind sie — gerade in diesem Kontrast - sehr wohl ein tiefer Ausdruck des eigenen Schicksals und als Gegenwelt zur Realität, als Entlastung der Seele und als Notwendigkeit zu verstehen. (Insofern nähert sie sich dem Expressionismus nicht nur in formaler sondern auch in inhaltlichen Richtung.)

Lassen Sie mich meine Ausführungen beenden, indem ich nochmals auf Alfred Kubin zurückgreife. „Das Wesentliche über die bildende Kunst lässt sich niemals in Worten ausdrücken". In diesem Sinne kann ich Sie nur auffordern, sich die Bilder anzuschauen und das Wesentliche in ihnen zu spüren.